(Fuente: Imdb. Link: https://www.imdb.com/title/tt7131622/mediaviewer/rm1947703297)

Desde Inglorious Basterds (2009), Quentin Tarantino ha llevado su relectura posmoderna de los géneros cinematográficos a la de la historia. Hemos decidido llamar a esta tendencia el cine del condicional, del ¿qué hubiese pasado si…? ¿Qué tal si un grupo de guerrilla judío americano hubiese coincidido con la dueña de un cine para matar a Hitler? ¿Qué hubiese ocurrido si un esclavo negro, dos años antes de la guerra civil estadounidense, se alzara contra una plantación para liberar a su esposa? Ya John Ford advertía en The Man Who Shot Liberty Balance (1962) que las leyendas tienen tanto o más poder que los hechos.

(Fuente: Javier Eder. Link:

)

En Once Upon a Time in Hollywood (2019) ocurre algo que le da otra dimensión al condicional de Tarantino, y está relacionado con el género en que se enmarca. En efecto, es una Coming of Age Movie, tratada desde Hollywood y los géneros cinematográficos. Las Coming of Age son películas sobre la transición de una edad a otra, ambientadas en un momento crucial de dicho tránsito. Por lo general relatan el paso de la juventud a la adultez. Y como los cambios pueden ser traumáticos, y el presente insatisfactorio, el condicional está íntimamente ligado a estas películas. Su recordar, como el rememorar mismo, liga la verdad con la ficción.

Cuando revisitamos buenos tiempos solemos decirnos “y qué si hubiese pasado esto o no hubiese ocurrido aquello”. O, tras un evento doloroso, casi por instinto, se suele preguntar “si hubiese hecho tal cosa o hubiera ocurrido tal otra”. En el caso de Once Upon a Time in Hollywood el antídoto de Tarantino es la capacidad creativa de la memoria. Toma el cine como manera de revisitar el pasado y crear sobre él o, dicho de otro modo, de generar un recuerdo. Ante el punto de inflexión histórico que fue la masacre en la casa de los Polanski, el autor se plantea ¿qué pasaría si la familia Manson no hubiese matado a Sharon Tate y a sus amigos? ¿Si más bien hubiesen entrado en otra casa? Y en ese caso ¿quiénes estarían allí? ¿Un actor, su doble de riesgo, su esposa italiana y un perro? ¿Y si ellos tampoco murieran? ¿Si más bien, por un vuelco de los acontecimientos, mataran a los perpetradores? Y deja abierta la pregunta ¿la fiesta podría durar un poco más?

En un primer visionado, podría pensarse que es un film más de cinéfilo que de cineasta. Que es la película más complaciente de la carrera del director. Se podría señalar que sus incidentes son gratuitos y carecen de un hilo de continuidad. Que es pura celebración y referencialidad. Más bien, por el contrario, nada es gratuito. Su hilo conductor es temático más que causal. En ese sentido, es evidente que Tarantino es heredero de cineastas como Michelangelo Antonioni, y su desarrollo constante de personajes dentro la aparente banalidad de los acontecimientos, piénsese en La Notte (1961) y Blow Up (1966). El conflicto central es el paso del tiempo, el cambio y la muerte. Es una película crepuscular, enmarcada en el fin declarado de una carrera. Casi me atrevería a decir que Once Upon a Time in Hollywood es una revisión de Dazed and Confused (1993) de Richard Linklater, dirigida con el pulso de Brian de Palma. Se trata de la celebración de una década, de un modo de hacer y entender el cine. Pero también de la fatalidad que rodea a todo festejo. Del cambio de los tiempos, la decadencia de las viejas instituciones y el trauma que está por venir.

No hay que dejarse engañar por el tono festivo, es una obra melancólica. Tarantino, como un gran narrador, se sirve de lo anecdótico para construir el retrato de una época y sus personajes. Crea un mundo vivo en que a todos los acecha una muerte.

(Fuente: The Atlantic. Link: https://www.theatlantic.com/entertainment/archive/2019/07/once-upon-a-time-in-hollywood-movie-review-tarantinos-best-in-years/594535/)

A Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) es un actor de westerns televisivos, que en su intento de adaptarse a un cine más naturalista, debe lidiar con problemas de alcoholismo y ansiedad. Recordemos esa escena en la que el actor interpreta al villano De Couctou y se combinan los niveles narrativos del rodaje y la película ya terminada. Un error en el diálogo compromete, no solo la toma, sino la realidad entera del film. Visto así, Dalton lleva sobre sí el peso de múltiples realidades, la del personaje y la del actor. Su supervivencia depende de su aptitud en cada una de ellas. Aptitud ligada al vigor, a la edad, a la competencia, a la imagen.

(Fuente: Indiewire. Link: https://www.indiewire.com/2019/08/once-upon-a-time-in-hollywood-brad-pitt-1202167749/)

Cliff Booth (Brad Pitt) recuerda a otros héroes existencialistas del cine. Carece de expectativas, y si bien tiene una profesión, siempre está a la deriva. Su personalidad remite a Driver de Drive (2011) de Nicolas Winding Refn, que también era doble de riesgo, su antecesor interpretado por Ryan O’Neall en The Driver (1978) de Walter Hill y su predecesor francés de Le Samurai (1967) dirigida Jean Pierre Melville. Al igual, que aquellos personajes, vive sólo en un espacio pequeño, tiene una mascota de compañía (como el de Melville), y es muy pragmático. La muerte le preocupa poco, se adapta fácilmente, se conforma con mirar y ser parte de los tiempos hasta que eventualmente lo dejen a un lado. De su pasado se sabe muy poco. Es héroe de guerra, doble de riesgo y asesinó a su mujer. Sin un destino fijo, nos pasea por lo alto y bajo de Hollywood, alrededor de las estrellas, entrenadores, dobles y hippies. De acuerdo a su profesión, es la antítesis de Dalton.

Además, aquí es muy llamativa la imagen del doble. Si por naturaleza el actor carece de sentido hasta que encarna a un personaje, podríamos decir que el doble de riesgo, hasta entonces, vive de un sinsentido de segundo grado. Es la sombra de una sombra, y solo aparece con la mortalidad. Sin embargo, su presencia, como recordatorio del sin sentido y el azar, no espanta a Rick. Uno de los grandes valores emocionales del film, es que Rick y Cliff se complementan en su camino al porvenir. Y si los héroes existencialistas que mencionábamos anteriormente padecían la falta de un nexo con el mundo, generalmente amor, en este caso, Cliff posee a Rick como Rick a Cliff. Si la carrera de Rick se acaba, y ambos se separan, Cliff vuelve a la carretera. Y Cliff no solo es el doble de Rick en un sentido laboral, sino que le sirve como una antítesis complementaria que le recuerda humildad frente al destino.

(Fuente: Twitter. Link: https://twitter.com/OnceInHollywood/status/1011987559122067457/photo/1)

La historia de Sharon Tate (Margot Robbie) parece la más gratuita pero no es nada inocente, y sobre ella cae todo el peso de la narración. Cuando muera Sharon, se acaba la película. Su asesinato es la promesa que mantiene la tensión en todo el relato porque ha de cambiar el mundo en que viven los personajes y poner fin a una época. De esta manera su carrera en ascenso y cotidianidad resultan trágicas por un futuro que ella desconoce pero el espectador no. Su verse en la pantalla de cine, narcisista, y pensarse inmortal cuando en realidad es la más vulnerable, es un gozo festivo y lúgubre.

Fuente: The Wrap. Link: https://www.thewrap.com/is-once-upon-a-time-in-hollywood-better-or-worse-if-you-know-your-manson-history/)

Tarantino inserta momentos premonitorios que recuerdan la fatalidad. Piénsese en la escena en que Tate compra el libro que años más tarde le serviría a Polanski para hacer esa dedicatoria póstuma que fue Tess (1979). Además, la filma como un voyerista. El punto de vista de la cámara es el de un slasher implícito, un mirón que la sigue desde las aceras, a ella, ingenua, indefensa. También es la mirada de un fetichista que siempre se enfoca en algún detalle, sus botas, su falda, su pelo al viento. Pero, como dice el mismo director en una entrevista con Paul Thomas Anderson, también hay un aspecto reivindicativo en su cotidianidad que busca replantear y redimensionar el modo en que se la recuerda. En este sentido intenta rescatar la humanidad de su imagen de víctima. He ahí el (meta) conflicto que mueve a su personaje, evidente en la escena del cine. El personaje representado frente a al personaje real. Tate se ve en una película, una representación, un recuerdo, una ficción ¿Cuál es más real? ¿la Sharon Tate de Margot Robbie o la misma Tate? ¿Cuál plano de existencia es más valido para el recuerdo?

(Fuente: Enterteinent Weekly. Link: https://ew.com/movies/2019/07/26/once-upon-a-time-hollywood-sharon-tate-sister-debra/
(Fuente: XixaxTv. Link:

. Vease a partir del min: 32:00)

En el plano de la expresión también es evidente el conflicto entre la fiesta y la muerte. Los cortes a negro que interrumpen las escenas. Las fechas en pantalla y la voz en off que recuentan los hechos cual relato policial. Las referencias a los géneros y subgéneros cinematográficos como el paso del western clásico al crepuscular y el explotation.

Incluso los antagonistas pueden ser descritos de acuerdo a referencias del cine. Por ejemplo, resulta llamativo el parecido de la casa donde los Manson ven televisión con la de Leatherface en The Texas Chainsaw Massacre (1974) de Tobe Hopper. Esa película independiente cuyo modo de producción pseudo-documental implicó un quiebre con el del cine clásico, y que retrataba, entre otras cosas el fin de los ideales de la contracultura hippie por una realidad mucho más brutal. Tarantino representa a la familia Manson como los protagonistas y antagonistas de aquella película. Salvajes e ingenuos. Son la decadencia del viejo Hollywood en la granja donde solían hacerse Westerns, del mismo modo en que films como Easy Rider (1969) fueron la llegada de una forma de entender el cine que, al menos formalmente, desplazó aquel. La puesta en escena los representa como parásitos que acaban con lo que se cruzan, o si lo vemos de otro modo, nómadas que habitan en los vestigios de la vieja cultura que los crió. Los decorados en ruinas, los roedores y la suciedad de la casa de George Spahn (Bruce Dern), nos hace preguntarnos si los Manson, y lo que representan, son causa o síntoma de ese estado de las cosas. Además, en un jocoso punto de giro, Tarantino sugiere, que la misma familia Manson, como la cultura hippie, es un producto marginal de la influencia de ese viejo Hollywood, aunque quizás lo sepan de un modo más ingenuo e inconsciente.

(Fuente: The Texas Chainsaw Massacre. Link:

)

Para los eventos significativos siempre hay un condicional sanador y melancólico. En el recuerdo podemos seguir jugando, pero siempre con mayor o menor consciencia de lo que fue y lo que no pudo ser. En este caso, la otra cara del condicional es la permanente imposibilidad de cambiar el pasado. Al final, es el pasado de Tarantino lo que está en juego, él construye desde los sitios que vivió y las vidas que deseó vivir. Desde su pura creatividad decide el destino en su ejercicio de memoria. Él decide si Cliff Booth le puede ganar en una pelea a Bruce Lee, o si, como recompensa metatextual por salvarles la vida, Sharon Tate invita a Rick Dalton a tomarse un trago tras una larga prueba de humildad. En los mundos de Tarantino lo nuevo y lo viejo celebran el porvenir. El tiempo dirá si sobrevive la verdad o la leyenda.

Por: Alan González